Фестиваль «Extension.art» ищет путь к первоосновам бытия

В театре «Открытая сцена», что на Поварской, при поддержке Департамента культуры г.Москвы прошел трехдневный фестиваль «Extension.art — 2». Зрителям был предложен впечатляющий «коктейль» из визуального искусства, музыки, кино и танца, Организатором необычного действа выступил международный культурный проект «Арт-Резиденция», уже известный московским любителям современного искусства.

Название фестиваля можно перевести как «искусство расширения». И действительно, его участникам тесно в уже существующей художественной «системе координат», они ищут новые формы и смыслы, неожиданные сопряжения разных видов творчества. Кураторов проекта «Extension.art — 2», по их словам, «интересует результат перехода различных языков искусства за существующие пределы и взаимодействие в создавшихся смежных техниках». При этом проект «не подразумевает смешение жанров, но позволяет увидеть и понять идеи, заложенные в том или ином произведении, взглянув на него с сопредельной территории». Немаловажное значение здесь придается кольцеобразной природе развития цивилизации и искусства; согласно этой концепции, лозунги «вперед в будущее» и «назад к истокам» — суть одно и то же. Таким образом, от самых передовых рубежей постмодернизма прямой путь ведет к «детству человечества», к первоосновам бытия.

Такой подход к искусству, однако, не лишает происходящее зрелищности, а наоборот, создает точку концентрации различных энергий. Главный критерий отбора участников, не только качество и зрелищность их работ, а возможность взаимодействия друг с другом, позволяющая целому развиваться в нечто большее, чем просто сумма составляющих его частей Антон Пономарев (слева), Алексей Чичилин Балет Дениса Бородицкого лежит на грани танца и акробатики

Подписи к фотографиям: Тимофей Караффа-Корбут (слева), Константин Гроусс, кураторы проекта · Антон Пономарев (слева), Алексей Чичилин · Балет Дениса Бородицкого лежит на грани танца и акробатики · На фестивале даже банан может быть съеден в танце · «Все плохое на этой земле должно быть исправлено». Наталья Нестерова · По. В.С.Танцы: иногда танец позволяет взглянуть на мир с другой стороны · Происходит слияние зрителя с произведением · Протоискусство не чурается монументальности · Хорошему танцору не помешают и связанные шнурки

В Музее декоративно-прикладного и народного искусства проходит фестиваль современного искусства «Код эпохи»

«Код эпохи» – это символ, вбирающий в себя весь контекст сегодняшнего дня. Так расшифровано название фестиваля на его официальной странице в «Фейсбуке». В рамках «Кода эпохи» работает выставка современного искусства, играют новую музыку, показывают современный танец, обсуждают философские проблемы. Фестиваль проходит с 14 по 24 марта, его активная фаза с многочисленными выступлениями пришлась на 14-17 марта. «Московские новости» посетили фестиваль в один из дней его работы.

В музее, который похож на город-лабиринт, немудрено заблудиться. Именно это и случилось бы, если бы меня не проводили до зала, где проходит круглый стол «Код эпохи. Возможна ли расшифровка?». Умнейшие люди, среди которых ученые, философы, художники Алла Митрофанова, Елена Петровская, Валерий Подорога, Кирилл Мартынов, Майк Хенц, обсуждают, что такое «код эпохи», современность, ее границы, современное искусство и многое другое, спорят или, наоборот, соглашаются друг с другом. Чтобы передать дискуссию, длившуюся два с половиной часа, возможно, не хватит и целого научного сборника. Кстати, организаторы фестиваля заранее озаботились масштабами темы и выпустили буклет со сборником статей, подготовленных участниками круглого стола, и не только ими. Можно посмотреть в музее и серию видеоинтервью по этой же проблематике.

Круглый стол завершает один из кураторов фестиваля хореограф Константин Гроусс (второй куратор – художник и архитектор Дмитрий Алексеев) – он объясняет, как организаторы понимают термин «код эпохи»:

– Может быть, у очень разных вещей и идей, которые воплощают художники, есть общий источник, я имею в виду художников в самом широком смысле. Мы пригласили к участию музыкантов, хореографов, чтобы понять некий общий процесс, который есть в искусстве и, может быть, уловить какие-то ходы к источнику, из которого черпается вдохновение. Но речь не только о профессиональном междусобойчике. Художники ищут способы воплотить его в образах и словах, а источник – «общий для всех людей». И искать его, очевидно, стоит в плоскости «общих кодов, общего смысла и общего языка». Я приступаю к поискам.

После круглого стола осматриваю выставку. Здесь есть все, чему полагается быть на выставках современного искусства: инсталляции, видеообъекты, минималистичные скульптуры (Дима Хунцельвег, High speed train), интерактивные объекты, связанные с современным миром (например, работа vtol «Финансовые риски» – роботоподобная машина, в которую нужно вставить свою банковскую карту, что приводит к некоторым звуковым и видеоэффектам). Есть здесь менее известные художники, есть и более известные: свои работы представили, например, Арсений Жиляев и Recycle. Можно увидеть творчество не только русских, но и иностранных художников. Почти каждый экспонат сопровожден подробным описанием, без которого иногда даже сложно понять, что представляет собой та или иная работа. Внимание многих, в том числе и мое, привлекают толстые книги, изрезанные таким образом, что напоминают горные породы (Кристин Алксне, Work book). В этом буйстве современного искусства есть и экспонаты, привычные для музея прикладного искусства: скворечники, сундуки, расписанные двери. Эффект получается, прямо скажем, впечатляющий.

Пока жду начала концерта, сидя на белой лавке, решаю поговорить со своей случайной соседкой. Спрашиваю, как она восприняла выставку и часто ли вообще ходит на подобные мероприятия.

Она отвечает не только на мои вопросы, но и рассуждает: появление современного искусства в традиционных музеях – вещь хорошая, позволяет разным поколениям по- новому посмотреть друг на друга.

Периодически к женщине подходит, видимо, ее сын, но быстро убегает: ему явно интереснее бегать по выставке, чем сидеть и ждать концерта.

– Моему ребенку интересно на этой выставке, он для себя что-то нашел. Молодых художников очень сложно объяснить ребенку, но здесь две-три работы объяснить можно. Потом оказывается, что эта женщина – видеохудожник Зоя Инкенас, но о ее профессии я узнаю не от нее. Она также сообщает мне, что на выставках маститых современных художников проще: их ребенку объяснять интереснее.

Начинается музыкальная программа. Сначала пианистка Елизавета Миллер и скрипач Станислав Малышев исполняют Road movies Джона Кулиджа Адамса. Это вещь 1995 года, выглядит традиционно. Потом выходит ансамбль «Студия новой музыки». Они играют российскую премьеру «Октета» американского композитора-минималиста Стива Райха. Создается впечатление, что в этой наполненной энергией вещи все время повторяется одна и та же тема, нагнетающая состояние тревоги. В перерыве разговариваю со знакомой флейтисткой, студенткой Московской консерватории Анной Кондрашиной, которая сегодня играла вместе со «Студией новой музыки». Спрашиваю, действительно ли «Октет» состоит из постоянных повторов или это иллюзия. Анна объясняет:

– Да, безусловно, там есть и повторения, но у каждого инструмента во всем произведении несколько наборов тем. Они закольцовываются и повторяются определенное количество раз. Потом следующая тема. Они переплетаются между собой у всех исполнителей, и получается то, что ты слышала. Это совокупность ритма и минималистической мелодии, похоже на транс.

Анна Кондрашина, флейтистка, студентка 5-го курса МГК имени Чайковского, факультет исторического и современного исполнительского искусства, лауреат международных конкурсов

— В исполнении современной музыки всегда очень помогает то, как композитор фиксирует на нотной бумаге свои пожелания. Если сравнить ноты мастеров XVII–XVIII веков и XX–XXI веков, то в первом случае увидишь голый текст, с одним знаком нюансировки в начале, а во втором – черные от записей листы, с уточнениями самых разных эмоций и техники. Большое количество написанного, безусловно, облегчает путь к исполнению. Не может не радовать также то, что современные композиторы стали использовать флейту как гораздо более самостоятельный и интересный инструмент по сравнению с мастерами прошлых веков. Звуковые, тембральные и эмоциональные возможности флейты несравнимо расширились с появлением «новой» музыки.

– То есть можно сказать, что у композитора и исполнителей и задача такая — ввести слушателей в транс?

– Да. Главное – не входить в транс самой, когда играешь, а то невольно переходишь на место слушателя и силой заставляешь себя вернуться.

– А можно ли сказать, что современная музыка обращается больше к разуму, а не к чувствам, или это не так?

– Можно сказать и так, – соглашается Аня и читает мне небольшую лекцию по истории музыки: – Полифоническая музыка – это «этап разума», в ней все рассчитано до такой степени, что если какую-нибудь инвенцию или фугу начать с середины и играть обратно к началу, то сложится не менее прекрасная музыка, чем если играть стандартным способом «слева направо». Затем «этап чувств» – от поздних классиков (Людвиг ван Бетховен) до поздней романтики (Антон Брукнер, Густав Малер, Сезар Франк и другие). За ними созерцательные Дебюсси и Равель. К третьему десятилетию XX века кто-то вернулся к барокко, а соответственно, и к «математическому» восприятию музыки. Современную музыку трудно обобщать, она очень многогранна.

Анна задумывается на секунду и подводит окончательный итог: «Думаю, что да, она больше обращается к разуму».

Наступает черед танца. На сцену выходит Константин Гроусс, один из создателей и художественный руководитель танцевального проекта ZERO Dance Gallery. Он говорит о том, что хотел бы ограничить время своего перформанса, и заводит на одно и то же время будильник и какой-то гаджет, который я не могу рассмотреть издалека. Константин произносит метафизический монолог о том, что танец — это прежде всего информация, и он с помощью силы воображения совершает некое путешествие, которое нацелено на то, чтобы добраться до того источника безграничной энергии, который и передает информацию в танце.

– Смысл и ценность этой информации я определить не возьмусь. Не возьмусь даже определить ее символы, – с ходу разочаровывает зрителей Константин, но тут же добавляет: – Впрочем, у вас же есть возможность перевести все на какой-то понятный язык – символов, значков, слов, рисунков. Если под рукой есть листы, вы можете это записать, чтобы передать, оставить себе или кинуть на сцену в течение представления.

Танец Гроусса впечатляет. В нем действительно важна энергия, которая становится вторым главным действующим лицом номера. Хореограф как будто впускает ее в себя, внимательно изучает. Вот его рука дрожит, наполняясь этой энергией и начиная жить собственной жизнью. Потом он явно пытается бороться с этой неведомой силой, драться. Во всем этом, так же как и в «Октете» Райха, чувствуется страшная тревога, которую усиливает музыка, похожая на шумы. Видимо, таков код нашего неспокойного времени, в котором художники и черпают вдохновение.

Константин Гроусс, художественный руководитель международного культурного проекта «Арт-Резиденция», хореограф, куратор фестиваля

— Я передаю какую-то информацию, а интерпретация может быть достаточно вольной – у каждого своей, причем день ото дня она может меняться. Мне кажется, во многом это касается любого невербального искусства, невербального способа передачи информации. Есть какие-то принятые нами системы обмена информацией – например, языковые, нотные, звуковые, – которые мы можем интерпретировать. Хотя, несмотря на то, что музыка поддается нотной записи, в точности передать смысл произведения вы не можете. Что такое пауза, высота звука? Мы не можем до конца сказать, что для нас означают звуковые сочетания. То же самое можно сказать и о танце.

Следующим на сцене появляется хореограф Денис Бородицкий, представляя свою танцевальную команду Boroditsky Dennis Dance Company.

– Мы заявляли работу, которая называется «В кубе». Но неделю назад я предложил своим ребятам пуститься в авантюру и сделать за это время новый номер на новую музыку. Я долго думал о том, что такое «код эпохи», рассуждал, что такое эпоха. До сих пор не могу расшифровать эти понятия. Тогда я обратился к себе, чтобы определить, что для меня является эпохой. В итоге в своей работе я обратился к музыке самого древнего народа – еврейского. Я еврей и очень долго боялся взяться за эту сложную для меня тему. Но, отбросив все страхи, за неделю мы сделали этот проект. Дело, конечно, не в национальности: эта работа позволила нам заглянуть внутрь себя. Я считаю, что для моих артистов это тоже начало пути.

Восемь человек в черных костюмах выходят на сцену. Музыка, которую исполняют канторы в синагогах, непередаваемо красива. Все очень строго, выдержанно и серьезно. Тут есть драматургия, отношения между персонажами, страдания, высказанные языком тела. У меня появляются ассоциации с античными трагедиями – эти ощущения подкрепляет и то, что часто танцоры застывают в разных позах, подобно древним статуям. О современной эпохе, наоборот, забываешь, но от этого становится почему-то хорошо.

Завершает программу знаменитый ансамбль ударных инструментов Марка Пекарского. Они исполняют композиции 1990-х годов. Передо мной полулежит на лавке девочка в розовом дутом комбинезоне и шапке с оленьими ушами и рисует на iPad цветок. Периодически родители просят ее раздеться, но девочка их не слушает. Когда музыка ансамбля становится совсем громоподобной и напоминает колокольный звон, девочка зажимает уши. Но не уходит.